Cabros Editores

Texto y Foto: César Elí García

Cargadas de misticismo y como provenientes de una realidad no ordinaria, los cuerpos escultóricos que surgen del imaginario onírico de Víctor Javier Bustamante, están cargados de un fuerte simbolismo chamánico. En busca de un constante diálogo con el mundo, a través de la materia moldeada. El hueso, la espina de pochote, la madera y el barro, son algunos de los materiales que en las manos de Víctor se transforman y toman nueva forma. 

El manantial nutricio del que abreva, imaginaria y técnicamente, tiene origen en el pasado prehispánico de su terruño. Lo que lo condiciona a un acercamiento respetuoso a la materia. Es la misma técnica la que detiene la sobreexplotación de los recursos naturales, condicionando un detenimiento meditativo a la hora de planear cada pieza.

Un ser intranquilo perturbará el medio en donde se desarrolle, por el contrario, para que un ser emane imperturbabilidad, está, debe residir en sí mismo, esto presupone un ejercicio meditativo-ético, un acto transformador del alma. Nuestra postura ante el mundo, está dada desde aquello que somos, aproximarse al mundo significa exteriorizar el alma. 

Víctor nos invita a meditar en el núcleo de la piedra, a cuestionarnos si tenemos el derecho de trasformar algo que ya es bello desde sí; nos advierte que si nos gana el atrevimiento, si el impulso por expresarnos es irrefrenable, esté nos permita reencontrarnos con el mundo, al reconocernos como parte de la materia misma que se trabaja.

Un grano de arena será la composición minúscula de un puño de barro, que bajo el fuego del horno se fundirá en un objeto único. Esta experiencia de que lo uno contiene lo diverso, nos recuerda el sentido comunitario, en donde el individuo se adhiere a algo más grande que él, al sentido de pertenencia a la comunidad.

Es verdad que el trabajo de Víctor Bustamante se inserta en la tradición escultórica, fundada por Roberto Ruiz, sin embargo, también es verdadero que está distante de esté. Podemos afirmar que Roberto Ruiz es el territorio de origen, pero Víctor Bustamante es un errante, que no se conforma con el dominio técnico, sino que se adelanta al dominio conceptual. 

Víctor es quien nos acerca al autoconocimiento, a cuestionarnos nuestros temores, a reconocer nuestros aciertos, a buscar las preguntas trascendentes que se gestan en nuestro interior, a reconocer que cuando la razón no nos alcanza para respondernos, la imaginación es el tiento que intuitivamente nos guía por la vida, dotando a la sensibilidad de senda para conocer nuestro laberíntico interior.  

Fotos: Archivo del autor 

En medio de la conservadora plástica oaxaqueña, irrumpe la obra de H. L. Santiago Martínez (Oaxaca, 1963), como una propuesta que muestra la intersubjetividad del autor. Por medio de una composición engañosamente desordenada, nos plantea un mundo que se percibe como una gran puesta en escena, en la que se hace difícil reconocer al protagonista, porque para sorpresa éste, no existe, al menos no dentro de la obra, sino fuera de ella. El protagonista es aquel que observa, aquel que percibe el mundo y lo hace propio desde su contemplación. El protagonista es el espectador.

Contemplar la obra de Martínez, es contemplar una puesta en escena, en donde todo ocurre dentro de un mismo tiempo y un mismo espacio, es decir, es la experiencia del aquí y el ahora, de la conciencia del momento presente, de la simultaneidad de fenómenos que se sostienen en el mismo tiempo. 

En esta puesta en escena, pese a existir una variedad de personajes, éstos están aislados, cada uno vive una experiencia individual, la interacción entre ellos es un elemento ausente, reservado a penas a un par de siluetas, que lo mismo parecen dialogar, que sorprenderse de un suceso no explícito. Con esto se manifiesta el absurdo, como pariente de la paradoja; el reconocerse solo en medio de una multitud. Ese reducido grupo de personajes, que interactúan, se diluyen en medio de la muchedumbre, que solo se justifica desde una salvedad compositiva.

En el universo Santiliano podemos reconocer dos constantes, que pueden ser tomados como símbolos; el primero, los utensilios domésticos, desde donde se anuncia que hablamos de un tiempo sobre el que transcurre lo cotidiano. Y lo cotidiano es el absurdo, lo inconexo, lo paradójico, de esta manera lo cotidiano se dibuja como una parodia de lo trágico. 

El segundo signo, presente en los lienzos de H. L. Santiago Martínez, es la figura de la barca, como un territorio limitado por la frontera circundante, el agua. Un territorio al que estamos confinados y del que no podemos escapar, amenos que aceptemos el naufragio como opción. Este territorio es el mundo, al que hemos llegado por pura y mera circunstancia. Nuestra existencia es sinónimo del absurdo.  

Algunos de los títulos con que Santiago Bautiza su obra son:  “Convocatoria para encender la chispa de la vida”, “El silencio es más hábil que el Conejo”, “No deseo que me cocines la naranja”, “A muchos les cae muy chido un mezcalito después de enredarse con la lluvia” y “Haciéndola de tos a los taxistas que cobran muy caro las palabras” Parece ser que si en su obra H. L. Santiago Martínez nos confronta con el absurdo de la vida, reduciendo a esta a un sin sentido, con sus títulos nos devuelve el encanto frente a la existencia, es decir, aquello que nos salva del absurdo es la posibilidad de poetizar la realidad. Esta posibilidad no es una opción romantizadora del absurdo, sino un acto transformador, que nos permite devolverle su sentido a la existencia. Es la capacidad humana de poetizar el mundo, aquello que nos rescata del absurdo circundante.    

El silencio es más hábil que el conejo.

2023.

Óleo: tela.

35 cms x 45 cms   (alto - ancho)

                  Haciéndola de tos a los taxistas que cobran muy caro las palabras. 

2019 - 2023

Óleo - tela. 

30 cms x 40 cms. (alto - ancho)    

A muchos les cae muy chido un mezcalito después de enredarse con la lluvia.

2019 - 2023  

Óleo / tela 

30 cms x 40 cms  (alto - ancho) 

No deseo que me cocines la naranja 

2023 

Óleo - tela 

30 cms x 40 cms (alto - ancho)

Así empezó el descontrol con los pescados 

2022. 

Óleo tela 

30 cms x 40 cms (alto - ancho)

Al final eres como ellos, ¿eh?

2019 - 2024 

Óleo - tela

         30 cms x 40 cms (alto - ancho)

  

H. L. Santiago Martínez (Oaxaca, 1963) Artista plástico, Licenciado en educación por el CRENO Oaxaca. A lo largo de su vida ha realizado distintos viajes al extranjero (EE. UU. y Europa) con la finalidad de promover su que hacer pictórico, actualmente expone su trabajo en Noé Cayetano Galería y en Estampa Galería

                                           

Javier Figueroa nació en Juchitán de Zaragoza. El barro de la séptima, barrio coseista, sirvió para grabar sus primeros pasos. La imagen de los pies descalzos, pisando el barro de las calles populares, puede servir de punto de partida, para hablar de Figueroa. En ese acto de iniciación bípeda, el infante se encuentra con dos técnicas de arte; por una parte, el amasado del barro, que antecede a la escultura, y por otra, la impronta de su primer grabado, en huecorelieve. 

Su infancia transcurrió entre el ir y venir de las calles, en donde aprendió de la vida; 

—Yo, fui parte del escuadrón mosquito, que éramos puros morros, hijos de los coceistas.

—¿De qué se encargaba el escuadrón mosquito? 

— De hacer bulla.

El destino divino se manifiesta en hermosas coincidencias. Su formación en el arte formal, puede ser dividida en dos etapas; la primera, en la Casa de la Cultura de Juchitán, la segunda, en el taller de artes plásticas Rufino Tamayo.

En la década de los 80s, la lucha coseista ganó las elecciones municipales, lo que convirtió a Juchitán en el único municipio, en ser dirigido por un gobierno socialista. En medio de estos cambios políticos, también cambió la comunicación, de aquellos altavoces barriales en donde se anunciaban las novedades públicas, a las estaciones de radio. Fue en un programa de radio, que Javier escuchó la oferta en formación artística en la Casa de la Cultura.

—Al único artista que había conocido hasta entonces era a Delfino Marcial, al que veía pasar por las calles del barrio, recién había regresado de México, donde estudió artes plásticas, en la Esmeralda. Te mentiría si te dijera que no quería ser como él.

En unos días se descubrió, siendo parte de los talleristas de la Casa de la Cultura de Juchitán. Un día llegó Jorge Sánchez Hernández, iba de parte del taller de artes plásticas Rufino Tamayo. El taller Tamayo, se proponía buscar dentro del estado de Oaxaca, a jóvenes que tuvieran interés en aprender artes, por medio de una beca. La oportunidad que había estado buscando se había presentado y no la iba a dejar ir.

─Quizás no iba a ir tan lejos como Delfino Marcial, pero por lo menos conocería otros lugares e iba a aprender artes, solo un tonto hubiera dicho que no.

Llegar al taller Tamayo, fue una nueva experiencia, se hospedó durante un año con un primo, luego decidió regresar a Juchitán, y fue a ver al maestro Juan Alcázar, quien era director del taller Tamayo, después de platicar y despedirse, Alcázar le propuso quedarse, para que fuera su ayudante, a cambio, podría vivir en el taller y además sería enviado a impartir Talleres Comunitarios dentro del estado, lo que incluía un módico sueldo. Es importante mencionar que el programa del que fue instructor Figueroa, “Talleres comunitarios en las ocho regiones del estado” fue reconocido en los Estados Unidos, por la bibliotecaria y escritora estadounidense Laura Lane Bush, el premio fue entregado en la Casa Blanca, Washington. D.C. —Una niña Huave, de San Mateo del Mar, fue a recibirlo.

De esta manera transcurrieron 15 años, en los cuales, aprendió distintas técnicas de grabado, tanto en metal como en piedra y madera. Recuerda las horas de trabajo al lado de Juan Alcázar, quemando placas de Maximino Javier y del mismísimo Francisco Toledo.

—Cuando el maestro Alcázar murió, tuve que dejar el taller porque ya no podía vivir ahí, me quedé sin trabajo y me fui a rentar un cuarto, las rentas son caras en la ciudad, no aguanté mucho y luego regresé a Juchitán. Esto te lo cuento no porque crea que me voy a hacer famoso, pero nunca pierdo la esperanza que me reconozcan, por lo menos. 

El taller de grabado Delfino Marcial

Cuando fue el temblor, todos vivíamos con miedo, un poco porque podía volver a temblar, otro poco porque parecía que se iba a acabar la comida, pero no se acabó y la gente de Oaxaca, nos mandó cosas y de otras partes también vinieron.

Te cuento lo del temblor, porque por esas fechas yo regresé a Juchitán. El taller en ese tiempo se llamaba Huanacastle. El taller lo fundaron Delfino Marcial Cerqueda y Chalo Bustillo. Cuando ocurrió el terremoto. El maestro Delfino pidió ayuda a sus amigos de la ciudad de México y con ellos, se hizo una carpeta. La coordinaron Delfino y Jorge Ulloa, se llamó “XUU” que quiere decir temblor.

Cuando el maestro Delfino regresó de la ciudad de México, me dijo, —Busca un candidato, que se encargue del taller— Él ya se había ido a vivir a la ciudad de Oaxaca y el taller estaba abandonado. Busqué, pero estaban pidiendo dinero. Entonces me dijo si quería encargarme, mi respuesta —Con que me den el espacio lo abro, a ver cómo nos va después.

Estaba tirado todo. Propuse que se ampliara el espacio moviendo esa división corrediza. Ya se abrió ese espacio para poner el tórculo. Cuando fue el terremoto, la Casa de la Cultura se cayó. Y aquí vinieron a dejar dos prensas. Aquí hay otro taller a la vuelta, pero ese es de la casa de la cultura. Precisamente yo desarmé esas prensas para entregarlas. Le dije a Chalo (director del Foro ecológico juchiteco) —pues, ya que quieren la prensa, pues yo solo la voy a desarmar— De esa manera se abrió aquí, esta parte quedó como galería y atrás como taller.  

Cuando el maestro Cerqueda estaba en el taller se hicieron varias carpetas. Yo he impreso a los maestros Óscar Martín, Miguel Ángel Toledo y a Osorio Pineda.  Con el tiempo Osorio y sus amigos vinieron a verme al taller y pidieron que les enseñara grabado, lo primero fue ver su dibujo, que era bueno, se integraron al taller y ahora ya trabajan solos. Parece que no ha pasado el tiempo, pero ya llevo cuatro años aquí en el taller.

En la actualidad, en el taller trabajan los compañeros Osorio Pineda, Tonny Santiago, Bido Guse, Lupita Estrada, Jorge Hilario y Divis Javier Pineda. Es el taller más productivo que hay ahorita en Juchitán, pese a que hay más talleres.

Yo no sé si con el arte se pueda cambiar el mundo, pero la posibilidad de imaginar cancela la violencia, Juchitán es uno de los municipios más violentos de Oaxaca, el grabado es un oficio que aleja a los jóvenes de las calles y les da una alternativa honesta de vida.    

La vida de Javier Figueroa, es una línea que se dispara de ese instante, en que dibujó sus pasos en el barro de las calles de la séptima; hasta hoy día, cuando sus huellas se dibujan con la gubia en la madera que cede paso a la imagen. En Figueroa existe un vínculo profundo, entre su vida y el arte, por eso el taller de grabado y el hogar son sinónimos. Desde los días en que habitó en el taller Rufino Tamayo, hasta hoy, que ha hecho del taller Delfino Marcial Cerqueda, su hogar. En donde espera a sus nuevos alumnos, pues los primeros que tuvo en el taller Delfino Marcial, hoy en día están probando suerte como artistas en la ciudad de Oaxaca y México. A quienes les deseamos la mejor de las suertes.

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RAMIRO HERNÁNDEZ Y EL NACIMIENTO DE 8 TEMBLOR Y LA SEÑORA AGUA

Texto: César Elí García

Fotos: César Elí García y cortesía  

Es de mañana, apenas las 8: 30. Estoy con el artista visual Fausto Luna y con Aidé Camacho, Fotógrafa. Estamos a las puertas de la casa de Ramiro Hernández, y lo vemos llegar con Gerardo Bonilla, vienen riendo y traen entre los brazos una gallina. Desde la noche anterior, se desvelaron preparando el horno, dentro de este ya se encuentran el señor Ocho Temblor y la Señora Agua, dos urnas Zapotecas, reproducciones de las originales, que fueron encontradas en el complejo ceremonial de Atzompa.

Por:César Elí García 

Edición: Rodrigo Landau 

Proponer como discurso estético el erotismo de las bailarinas nudistas no es novedad. Sí, el hecho de que la propuesta surja en Oaxaca, una comarca donde los artistas plásticos se dedican con abundancia a la reproducción de símbolos indígenas, convirtiendo la tradición en mercancía. Entonces, entre la plástica oaxaqueña y el mundo a media luz de los teibols, existe una paridad de espejos: exhibir y capitalizar aquello que constituye a esos dos cuerpos. 

Ignacio García tiene claro que el medio artístico de Oaxaca está lleno de iniciativas que apuntan más al folclore que a lo estético, pues han encontrado en el público extranjero un nicho que se asombra con el exotismo y el colorido de las obras, que muchas veces carecen de sentido y discurso. Nuestra expresividad primera se basa en palabras que nombran el entorno. Mar o peces, para alguien de la costa; bosque y montaña, para un serrano o serrana, son palabras inmediatas. La comunidad comprende su universo indígena y lo conserva, pero en estado de reposo. Como dijera Mario Santiago, el poeta infrarrealista: el arte se ha convertido en un cursillo de decoración. 

En la obra de Ignacio García se observan al menos tres momentos: uno referente al formato, otro a los materiales, y un tercero a la temática. Estas tres cuestiones forman un todo armónico y dialógico entre materia, técnica y discurso. 

La génesis de esta armonía la podemos ubicar en el negocio familiar, una cantina de barrio fundada el 6 de mayo de 1983, temprano por la mañana. El artista, una vez alcanzada la mayoría de edad, comenzó a colaborar en su administración y cuidado, llevándolo a permanecer mucho tiempo tras la barra, demandado por la sed insobornable de los parroquianos y el impulso creativo de su voluntad artística. Dadas estas condiciones, Ignacio García, astuta e innovadoramente, encontró en el ajuste del formato una salida, primero. Segundo, los materiales. Es peligroso trabajar con solventes tras una barra de cantina, lo cual, pensó, me lleva a los hilos, retazos, textiles y encajes. ¡Eureka! 

Este descubrimiento de la acción en el zurcir dota a las piezas de García del vigor de la presencia, abandonando la segunda dimensión e instalando un gesto táctil ante la obra, al que la reproducción fotográfica hace, por otro lado, poca justicia. Estas piezas demandan la contemplación directa, la comparecencia de lo erótico en el ser erotizado. La tercera dimensión son los clientes. Desde sus inicios, la cantina de la familia García abre sus puertas a partir de las 5 de la mañana, siendo sus primeros habitúes travestis, putas y borrachos de primera hora. La imaginería del trabajo plástico de Ignacio García se nutre de estos cuerpos trabajados por el sexo de paga y las noticias de la noche. De aquí se desprende esa erótica de la mirada que proyecta el artista sobre sus figuras. 

Sondiémos un poco esta cuestión. Teresa del Conde asegura que «no toda obra que se vale del cuerpo humano desnudo es necesariamente una representación erótica», y para Byung-Chul Han el desnudo es la antítesis de lo erótico, en la medida que corresponde más bien al ámbito de lo pornográfico: «las imágenes porno muestran la mera vida expuesta»; «la transformación del mundo en porno se realiza como su profanación. Esta transformación profana el erotismo». Se trata de una suposición, es decir, uno erotiza al otro suponiéndole algo que aún no se muestra. Las obras en esta línea de García hacen que aguardemos frente a ellas, en una contemplación primeramente pasiva. Nada es más erótico que conocer a otro, plantea el artista. Hace falta otro, esto es, hace falta salirse de uno mismo, abandonar el cerco individualista. Nos dicen desde pequeños, “no hables con desconocidos”. Contenerse pasivamente frente a otros, no abrirse, es la consigna de los adultos. 

Una de las piezas de esta serie que comentamos, contiene a una mujer desnuda a la que hace falta levantar el vestido, una tela negra zurcida al bastidor, para poder mirar así, dejando la opción de no hacerlo, además. El espectador elige. En esta tensión reside lo erótico y a su vez lo pornográfico. Es curioso que el erotismo, así planteado, tenga que mantenerse en lo pasivo para no saltar hacia lo pornográfico, pues lo erótico es un continuo sugerir más que un imponente afirmar: «la desnudez, como exhibición, sin misterio ni expresión, se acerca a la desnudez pornográfica». 

Si resulta excitante aguardar la desnudez del otro, es importante pensar lo contrario, y ver que allí, en el cubrir, en el vestir al otro, también está lo erótico. Es justamente lo que hace Ignacio García cuando cose medias sobre las piernas de una figura femenina o la cubre de lencería, potencializando los tatuajes en la epidermis de las modelos. Un cuello que se ofrece, desnudo, será siempre más erótico que una vulva expuesta a la cámara de última generación. García expone un campo de magnolias en un pequeño botón anclado a la tela. La naturaleza demanda tiempo para manifestarse, y nosotros esperamos para que esos botones florezcan. No hace falta cortar la flor, su aroma basta para embriagarnos. Aquí, pacientes, aguardamos.